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Arte

Fue escritor, novelista, cuentista, guionista y periodista. Nació en Colombia el 6 de marzo de 1927. Hoy, Gabriel García Márquez, estaría celebrando 90 años de vida. Y aunque ya no nos acompaña, sus pensamientos se apropiaron de las tintas y las páginas para inmortalizar su esencia.

Es considerado uno de los mayores exponentes del realismo mágico, siendo su obra Cien años de soledad (1967), una de las más representativas de este género literario. Este colombiano supo hacerse un lugar en el mundo del periodismo latinoamericano, aún cuando estudiaba Derecho en la Universidad Nacional de Colombia y, aunque no terminó la carrera, tampoco pasó por la academia para estudiar periodismo. García Márquez fue autodidacta y muy proactivo en su vida como escritor y reportero.

Gabriel García Márquez conoció a Fidel Castro en enero de 1959, pero la amistad entre ellos dos surgió luego, cuando el colombiano vivía en La Habana por su trabajo con Prensa Latina | Fotografía: latercera.com

Su labor en el área comunicacional no solamente la hizo como periodista, en sus textos, a través de crónicas, cuentos y poemas, se hizo sentir su denuncia, su aporte informativo y sus opiniones.

En 1982, Gabo, como fue llamado por primera vez por Eduardo Zalamea Borda, subdirector del diario El Espectador, recibió el Premio Nobel de Literatura.

Entre sus novelas más destacadas figuran El Amor en los Tiempos de Cólera (1985), El coronel no tiene quien le escriba (1961) y Crónica de una muerte anunciada (1981).

En marzo de 1995, García Márquez creó la Fundación Gabriel García Márquez para el Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI) para trabajar por la excelencia del periodismo y su contribución a los procesos de democracia y desarrollo de los países iberoamericanos| Fotografía: latercera.com

Memoria de mis putas tristes (2004) y Yo no vengo a decir un discurso (2010), fueron las últimas obras publicadas de Gabriel García Márquez. El 17 de abril de 2014, en México, murió este afamado escritor y periodista, producto de una recaída por el cáncer linfático que le diagnosticaron en 1999.

Hoy, el hombre de “el mejor oficio del mundo”, estaría cumpliendo 90 años. ¡Feliz cumpleaños, Gabo!

Fotografía principal: especialgabo.fnpi.org

Este miércoles se dio a conocer los ganadores del más grande premio de arquitectura, el Pritzker edición 2017. En esta oportunidad, fueron Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramón Vilalta los que se alzaron con el prestigioso galardón.

Estos españoles del estudio RCR Arquitectes han trabajado codo a codo desde la fundación del mismo en 1987 en la ciudad de Olot, en Girona. Han sido conocidos por su trabajo desde el diseño y también desde lo físico.

Su trabajo “demuestra un compromiso inflexible con el lugar y su narrativa, con la creación de espacios que discursan con sus respectivos contextos”, dijo el jurado en un comunicado.

La mayoría de las obras del estudio RCR Arquitectes están en Cataluña, en el noreste de España, aunque también han emprendido varios proyectos en Francia y Bélgica en los últimos años.

Armonizando materialidad con transparencia, Aranda, Pigem y Vilalta buscan conexiones entre el exterior y el interior, lo cual resulta en una arquitectura emocional y empírica”, añadieron en el texto.

La premiación de estos españoles marca un hito en la historia de este premio, ya que es  la primera vez que tres arquitectos son reconocidos en un mismo año.

La premiación de estos españoles marca un hito en la historia de este premio, ya que es la primera vez que tres arquitectos son reconocidos en un mismo año | Fotografía: elpaissemanal.elpais.com

Recibir el Pritzker “es una gran alegría y una gran responsabilidad. Estamos entusiasmados de que este año tres profesionales que trabajamos muy estrechamente en todo lo que hacemos, seamos reconocidos”, celebró Pigem en el comunicado.

Aranda (55 años), Pigem (54 años) y Vilalta (56 años) recibirán próximamente el galardón, que consiste en un total de 100 mil dólares y una medalla de bronce, en una ceremonia en la sede de las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos.

“Han demostrado que la unidad del material puede prestar una fuerza increíble y simplicidad a un edificio”, dijo Glenn Murcutt, presidente del jurado. “La colaboración de estos tres arquitectos produce una arquitectura intransigente de un nivel poético, que representa una obra atemporal”, expresó.

Esta es la segunda vez que el galardón es otorgado a españoles. La primera vez fue en 1996, cuando el premiado fue Rafael Moneo.

El ganador del año pasado fue el chileno Alejandro Aravena, de 49 años, promotor de viviendas sociales a la medida de las necesidades de sus usuarios.

Este magno premio de arquitectura fue fundado en 1979 por el fallecido Jay A. Pritzker y su esposa, Cindy, con el objetivo de homenajear cada año a un arquitecto en vida cuya obra demuestre “talento, visión y compromiso, y que a través del arte de la arquitectura haya contribuido de manera significativa a la humanidad y al ambiente construido”.

Fotografía principal: redfundamentos.com

Información: AFP

Un 26 de febrero de 2001 partió de este mundo el abogado, periodista, escritor y político venezolano Arturo Uslar Pietri, considerado uno de los intelectuales más importantes de nuestro país. De él se origina la frase “sembrar el petróleo”, mediante la cual hacía referencia a la necesidad de utilizar los ingresos generados por el oro negro para generar otros que nos permitieran diversificar la economía:

“Es menester sacar la mayor renta de las minas para invertirla totalmente en ayudas, facilidades y estímulos a la agricultura, la cría y las industrias nacionales”.

Una huella en la literatura y en la TV

Con su gran obra “Las lanzas coloradas”, una novella de corte histórico que tiene como contexto la Guerra de la Independencia, este insigne venezolano dejó su huella en la literatura Latinoamericana. Otra gran obra, es “La isla de Robinson”. También fue el creador de la cátedra Simón Bolívar en la Unesco.

En la televisión dejó su estela cultural, era habitual que su interés en que la gente se instruyera iba más allá de la pluma. Aquí les dejamos un micro que hizo para "sus amigos invisibles", como solía llamar a los televidentes sobre cinco fechas que cambiaron al mundo.

Un político e analista de altura

Fue candidato presidencial en 1963 y se desempeñó como secretario de la presidencia de la República de 1941 a 1945, con un receso en 1944; y también fue ministro de hacienda y ministro del interior.

Su gran obra "Las lanzas coloradas" se publicó en febrero de 1931 | Foto: www.kalathos.com

Pero además de sus cargos, sus interpretaciones fueron tan asertivas que hasta el sol de hoy reflejan una especie de guía con lo que podríamos ser como país y de qué es lo que tenemos que resolver para llegar a ser aquella gran nación que soñamos ser.

Uslar Pietri, al contrario de muchos considerados con un alto nivel cultural, tenía una profunda convicción de la inteligencia del pueblo venezolano, y creía en la posibilidad de una educación de altura como solución base al desarrollo: “La diversidad de los hombres viene de la cultura, no de la naturaleza”, solía decir.

Lo cierto, es que no alcanza el espacio para decir todo lo que significó este venezolano en nuestra historia, pero sí que es suficiente para recordar cuán vigentes están sus análisis que nos invitan a reflexionar desde lo más interno de cada uno de nosotros. ¡Gracias por tanto Don Arturo Uslar Pietri!

Foto principal: Diario Panorama

Alfredo Sadel, el eterno ídolo

Se movió con igual soltura y éxito en las aguas del canto lírico y del canto popular, y con ello se convirtió en el primer cantante venezolano en llegar a Hollywood. El país fue su pasión y aún su voz estalla en un Granada irrepetible, en la memoria de sus más fervientes fans, tanto aquellas que deliraron por su físico imponente, como todos aquellos apasionados de la música de todos los tiempos.

Como suele ocurrir con las figuras que adquieren un renombre imborrable,  Alfredo Sadel es una leyenda que forma parte de nuestro más caro acervo cultural. Los más prestigiosos escenarios de América y Europa se rindieron ante su talento y carisma.

Fue el primer venezolano en presentarse en la desaparecida Unión Soviética

Niño cantor

Desde muy pequeño Alfredo Sánchez Luna, su nombre de pila, supo que la música, y en especial el canto, era el lenguaje en el que mejor podía expresarse. Su talento quedó demostrado en su niñez, durante una presentación en la Catedral de Caracas en la que cantó el Ave María. Desde ese momento su rumbo se encaminó hacia los estudios de canto. Lo que siguió – formalmente - fue su ingreso a la Escuela Superior de Música de Caracas, lugar que sentó las sólidas bases para una preparación que prosiguió el resto de su vida en lugares tan remotos como Ciudad de México, Nueva York, Buenos Aires, Barcelona, Salzburgo y Milán.

Un nombre nuevo

Alfredo siempre estuvo claro en su intensión de proyectar su naciente carrera,  por lo cual participó en varios show o concursos. Estas presentaciones públicas le permitieron intuir que debía diferenciarse de otros intérpretes que compartían su apellido paterno, de manera que combinó la primera sílaba de su apellido (Sánchez) con la sílaba final del apellido de su gran ídolo: Carlos Gardel. Había nacido Alfredo Sadel.

En 1947, apadrinado por Mario Suárez, entra a a formar parte del programa radial en la emisora caraqueña Radiodifusora Venezuela en calidad de cantante aficionado.

Sus primeros éxitos llegaron con la empresa discográfica Discos Rexle, d cuya primera producción se recuerdan los temas Diamante Negro y una interpretación instrumental del Mambo Número 5 de Pérez Prado, aclamadas tanto por la crítica como por el público. Sadel estaba enrumbado al estrellato.

El salto al cine

No había que ser adivino para saber que el futuro de Alfredo lucía brillante y que no se circunscribiría meramente a la música. Su desbordante simpatía e impecable imagen se sumaban a su talento interpretativo para hacer de él un firme candidato a estrella de cine. Y así fue.

En 1950 debutó en la gran pantalla con el largometraje A La Habana me voy. Al año siguiente repitió la experiencia, pero esta vez como productor de la película Flor del campo, filme con música y argumento venezolanos. Sus dotes histriónicas le ganaron halagos por su desempeño en estos trabajos, pero Alfredo estaba claro en que su sueño era cantar.

Sadel hizo todo lo posible por institucionalizar la ópera en Venezuela, al punto que en 1977 organizó una gran temporada en la Universidad Central de Venezuela, que se extendió a otras ciudades del país, para dar a conocer esta modalidad artística

En 1952 tuvo la oportunidad de viajar a los Estados Unidos y presentarse con la orquesta del Maestro Aldemaro Romero, quien con el tiempo se convirtió en un buen amigo. Este viaje le abrió las puertas para grabar con RCA Victor y, luego, ser el primer cantante venezolano en aparecer en la televisión estadounidense, cosa que sucedió al presentarse en el show de Ed Sullivan y posteriormente en Chance of a Lifetime. Similar suerte tuvo en la televisión cubana, donde incluso, llegó a tener su propio y exitoso espacio televisivo.

Con una carrera que equilibraba sin problemas música, televisión, cine y activismo sindical, Sadel tuvo frente a sí una gran oportunidad laboral en 1958. El conocido estudio Metro-Goldwyn-Mayer le extendió un atractivo contrato que de inmediato aceptó. Lamentablemente, y tras un año de recibir remuneración sin aparecer en pantalla, Sadel partió a México para recoger los frutos que,  gracias a su carrera musical, había sembrado en esas tierras. De esa época son las películas El ratón y Tú y la mentira, predecesoras de otras como Tres balas perdidas, El buena suerte y En cada feria un amor.

Alfreo Sadel estaría cumpliendo el 22 de febrero, 87 años de vida

Una pasión tardía

Hasta el momento, Sadel se había hecho famoso gracias a sus interpretaciones de música popular, pero en 1961 tomó otro rumbo. En el mejor momento de su carrera, decide dedicarse al bel canto. Nadie dudaba de su enorme talento, pero igualmente sorprendió a muchos que esta faceta profesional le trajera semejante cantidad de éxitos internacionales. Cosos como el Carnegie Hall, el Teatro Colón de Buenos Aires, el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México y la Scala de Milán le abrieron sus puertas sin reservas. Desde entonces, Sadel combinó lo popular con lo lírico.

En el año 1985 el artista se plantó en Nueva York para tener a esta ciudad como centro de operaciones, desde donde viajaba con frecuencia a Colombia y Venezuela. En 1989, ya con la salud quebrantada, Alfredo Sadel se despidió del mundo tras un concierto en el Teatro Teresa Carreño en Caracas con apenas 59 años de edad.

Fotografías: cortesía de Alfredo Sánchez

Mumbai: arte rodante

Los museos y galerías exhiben las obras más sublimes de apreciados artistas; pero en Mumbai, el arte va dónde tú vayas.

Todos los diseños son inspirados en la India | Fotografía: thehappening.com

Sus taxis exhiben diseños diferentes,  vanguardistas, multi coloridos y asimétricos. Cada uno te hace sentir que estas dentro de la obra misma, ya que está recubierto por todas sus esquinas.

Taxi Fabric, es un proyecto que se encargó de transformar en obras de arte en interior de un total de 36 taxis. Además todos los diseños fueron proporcionados por artistas y diseñadores locales que quisieron contribuir a la causa.

Taxi Fabric es una explosión de color dentro del vehículo | Fotografía: thehappening.com

El proyecto se lanzó en 2015 y sigue hasta la fecha. Cada uno cuenta con una estampilla que contiene la información del artista que creó el diseño, para que así más personas puedan apreciar el talento de la región.

¡Una excelente idea para llevar el color en todo el mundo!

 

Fotografía principal: thehappening.com

+Fotos | Maestros con perspectiva

Todo inicia con un dibujo, un boceto, un pensamiento en pleno crecimiento. Así nace la arquitectura. Luego vienen las herramientas, los elementos estructurales y las manos que forjarán la obra. Tras estas piezas se encuentran los hacedores artísticos de las mayores joyas arquitectónicas que decoran el mundo.

Nos atrevemos a reconocer y vitorear el empeño de tres arquitectos que han erigido su propia identidad en un oficio tan competitivo. Son genios y referencias internacionales. Cada uno destaca con un estilo diferente, pero juntos conforman el grupo arquitectónico más sobresaliente de esta época.

SANTIAGO CALATRAVA, EL NEOFUTURISTA

Las escuelas de Bellas Artes en Valencia y París fueron las bases de este pintor que, años después, se convertiría en uno de los arquitectos más respetados del mundo moderno. En 1973 se graduó en la Universidad Politécnica de Valencia y seis años más tarde alzó su doctorado en Ciencias Técnicas como ingeniero civil. De aquí en adelante, las puertas del diseño urbano se le abrieron de par en par.

La Ciudad de las Artes y de las Ciencias (Valencia) | Fotografía: fotocommunity

Su loable esmero no esperó para ser aplaudido por los expertos y, rápidamente, escaló a la cima gracias a su original estilo arquitectónico, inspirado en artistas como Miguel Ángel Buonarroti, Fernando Higueras, Picasso y Gaudí. Su enfoque apunta a colosales estructuras de hormigón y acero, vestidas, en la mayoría de los casos, de un blanco inmaculado. Además, sus obras tienen sensaciones de movimiento, debido a sus conocimientos de la naturaleza y la anatomía humana, generando espacios que captan la atmósfera de una era futurista.

Rascacielos Turning Torso (Malmö) | Fotografía: hakansfotografi

Las vigorosas construcciones están plantadas por todo el mundo, pero sus modelos más reconocidos son: La Ciudad de las Artes y de las Ciencias (Valencia), Puente Peatonal Campo Volantín Zubizuri (Bilbao), Museo de Arte (Milwaukee), Puente James Joyce (Dublín), Puente de Alamillo (Sevilla), el rascacielos Turning Torso (Malmö) y la sofisticada Torre de Comunicaciones Montjuïc (Barcelona) con 136 metros de altura, que también funciona como reloj solar.

El currículo de Calatrava, ganador del Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1999) y Premio Europeo de Arquitectura 2015, comprende más de 45 edificaciones y supera los 55 galardones en toda su carrera.

Dedicación en Oriente Medio

Actualmente, la fama del español echará raíces en los Emiratos Árabes, porque se encargará del diseño de la próxima torre más grande del planeta: The Tower, en el Dubai Creek Harbour. Inspirado en la flor de lirio, el edificio medirá más de 800 metros y su costo rondará los 1000 millones de dólares. Además, el maestro arquitectónico creará el pabellón del país árabe en la Exposición Universal de Dubái 2020 y, esta vez, la musa será el vuelo de un halcón.

The Tower | Fotografía: designboom

FRANK GEHRY, EL DECONSTRUCTOR

Es estudioso de la arquitectura francesa y amante de las iglesias romanas, pero sus obras tienen el espíritu de recios titanes. Frank Gehry es canadiense, de origen judío-polaco, con una longeva carrera en la ciudad de Los Ángeles. En su juventud fue repartidor de periódicos y conductor de camiones de encomiendas, sin embargo, en 1954 se graduó como arquitecto en la Universidad del Sur de California y completó sus estudios en la Universidad de Harvard en la especialidad de urbanismo.

A principios de los años 60, se mudó a París para trabajar en diversos estudios de artistas reconocidos. Finalmente, en 1962 inauguró Gehry Partners, su primer despacho en Los Ángeles. Para ese momento, Frank le sacó brillo a sus herramientas y estaba listo para sacudir la biblia de la arquitectura.

Museo Guggenheim de Bilbao, España | Fotografía: blogspot

Sus creaciones quiebran las reglas para componer su propia identidad. Son estructuras formidables que involucran una amplia gama de formas geométricas que aportan volumen y dinamismo. Los elementos protagonistas abarcan desde el metal hasta el cristal para generar la visión efímera y diáfana que caracteriza su estilo.

Gehry ha recibido importantes galardones, como el prestigioso Premio Pritzker (1989), el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1992), el Gold Medal for Architecture (2002) y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2014).

Casa Danzante (República Checa) | Fotografía: prague

Uno de los edificios más alabados del arquitecto es el Museo Guggenheim de Bilbao, España, con la forma de una flor y paneles que simulan escamas de pez, un animal muy influyente en sus construcciones. Fue fabricado con placas de titanio y cinc, incluyendo secciones de vidrio y varios tipos de piedra caliza.

La lista de sus obras se magnifica con la Casa Danzante (República Checa), la Sala de Conciertos Walt Disney (EE.UU.), el Museo de Arte Weisman (EE.UU.), el Museo de la Biodiversidad (Panamá) y la Torre Gehry (Alemania).

NORMAN FOSTER, EL TECNÓLOGO

Es británico y, con 80 años, es el director de uno de los estudios más prolíferos del mundo arquitectónico, con una nómina que supera los 600 empleados. A pesar de que a los 16 años abandonó la escuela, Foster se graduó en la Universidad de Mánchester como arquitecto y, gracias a una beca, afianzó sus estudios en la Universidad de Yale.

En 1965, formó una alianza con su primera esposa Wendy Cheesman y su colega Richard Rogers para crear el estudio Team 4. Dos años después, transformaron el nombre del despacho a Foster + Partners y actualmente poseen 13 oficinas distribuidas en todo el orbe.

Puente del Milenio (Londres) | Fotografía: ourense24horas

Las obras de Foster son conocidas por sus destacables elementos tecnológicos fusionados con el enfoque ecosostenible. Algunos críticos lo llaman el padre High Tech de la arquitectura. Su sello industrial es inconfundible, revelando su predilección por elementos como el acero y el vidrio, siempre presentes en sus creaciones.

Este arquitecto ganó el Premio Pritzker (1999) y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2010). Además, en 1999, la reina Isabel II le confirió el título vitalicio de Lord Foster de Thames Bank.

Torre 30 St Mary Axe (Londres) | Fotografía: londontopia

La agudeza de Foster ha creado importantes edificios urbanísticos, hogares privados, aeropuertos e institutos, pero los más importantes son los siguientes: el Puente del Milenio (Londres), una estructura colgante que cruza el rio Támesis; el viaducto de Millau (Francia), la pasarela más alta del mundo; el estadio más grande de Europa: el Camp Nou (España); el rascacielos Hearst Tower (Estados Unidos); y la vanguardista torre 30 St Mary Axe (Londres), conocida como “El Pepinillo”.

Entre sus venideros proyectos se encuentra la ampliación del Aeropuerto Internacional de Tocumen, Panamá; la restauración del World Trade Center de Nueva York y el ambicioso Canary Wharf Crossrail Station, que conectará a Londres con nueve estaciones subterráneas del metro.

Fotografía principal: dezeen

Carnavales, el origen más allá de los disfraces

Como dice el dicho, el conocimiento no muerde, y es algo que todos necesitamos para cultivar la mente y el espíritu.  En este sentido, hoy nos metemos de lleno en los orígenes del carnaval, una fiesta pagana de la cual se dice que tiene inicio en el catolicismo, pero la historia se encarga de desmentir un poco esta simple teoría.

Hace 5.000 años, el pueblo Sumerio tenía este tipo de celebraciones donde habían bailes y la gente se pintaba la cara, pero solo eran fiestas, hasta que esta costumbre pasó a Egipto y al Imperio Romano. Se presume que comenzaron para honrar a Baco (dios del Vino) o al toro Apis en Egipto, lo cierto es que fue una continuidad de los antiguos Saturnales, en honor al dios Saturno. Luego llegó a Europa que es cuando adquiere mayor popularidad, y posteriormente a América a través de los españoles y portugueses. 

Su relación con el Cristianismo

El espíritu pagano del carnaval radica en su adoración a dioses falsos, y en una época, la oportunidad para "abandonar la carne" de manera literal, instando a entregarse al desenfreno bajo el anonimato de una máscara | Foto: holidaysgenius.com

Uno de los significados del nombre carnaval viene del latín carnem-levare o carne-vale que representaba al acto de “abandonar la carne”, que es una tradición religiosa en los viernes de Cuaresma. Pero los fiesteros lo interpretaron como que era otro tipo de carne y tomaron los 3 días antes de empezar la cuaresma para hacer una celebración donde todo estaba permitido, ocultando su identidad entre disfraces y máscaras.

¿A qué se refiere con pagana?

Bien, la iglesia católica nunca lo ha reconocido como una festividad propia de la religión, y sus primeros motivos fueron saturnales, es decir, fueron fiestas en honor a dioses baales: dioses falsos o paganos como cita la Biblia.

Por otra parte, la palabra carnaval también quiere decir “carne para baal”, y todo lo referente está bajo la invocación del rey Momo, el dios de la burla en la Mitología Grecolatina, el hijo de la noche y del sueño, con un significado donde todo es tinieblas. Además, esa interpretación del “abandono de la otra carne”, originó en una especie de mascarada de origen demoníaco que celebraba la vida a plenitud, instando a la depravación moral, al sexo, al licor y a la violencia.

Carnaval en la actualidad

En muchos lugares se hacen fiestas espectaculares, e incluso, forman parte de la planificación turística de viajeros y países en general. En Venezuela, son días feriados para que adultos y niños disfruten del hecho de celebrar y difrazarse con sus personajes favoritos.

El de Río de Janeiro y el de Venecia, están entre los más famosos del mundo. El primero por el colorido desfile de las escuelas de samba que se realiza en el llamado sambódromo frente a miles de personas. Y el segundo, porque la gente se viste de nobleza y combina este disfraz con mascaras muy bellas.

Foto principal: elplacerdelalectura.com

Bajo su tutela se conformó una impresionante colección con obras de artistas mundialmente famosos: Miró, Picasso y Botero, entre otros; además, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (MACC) fue el primero del país en ofrecer un servicio de biblioteca especializada en arte, un espacio de formación y un centro multimedia para las artes. Acusada por sus detractores de haber tenido un sinfín de amantes- aunque esto nunca se demostró -, Ímber estuvo casada con dos egregios hombres de la cultura y la política venezolana, Guillermo Meneses y Carlos Rangel.

De su primer matrimonio con Meneses nacieron cuatro hijos: Sarah, Adriana, Daniela y Pedro Guillermo.  Actualmente vive con Adriana, directora de la Galería G-7 ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, en Los Chorros. Con Rangel, su segundo esposo, condujo uno  de los programas televisivos de corte periodístico más recordados de Venevisión: Buenos Días.

La Universidad Católica Andrés Bello inauguró la Biblioteca Sofía Ímber, conformada por 5 mil libros y catálogos donados por la periodista. Esta inagotable mujer tiene como propósito de vida el trabajo, y desde su imponente casa de tres pisos situada en La Alta Florida, no cesa de asistir y coordinar entrevistas y reuniones, al lado de su fiel asistente Sonia Chacón, quien la acompaña desde los tiempos en que el MACC se llamaba MACSI.

“Eso se debe a que nos inculcaron algo, que yo tengo, y que a la vez se lo he infundido a mis hijos: el trabajo. Si hay una meta o una constante en mi vida es esa”, confirma Sofía desde la silla de ruedas en la que se encuentra debido a una enfermedad degenerativa que afecta sus movimientos y que le produce una constante sensación de vértigo y mareos.

Las fotografías de este artículo son exclusivas y fueron dadas por la periodista para el artículo de nuestra edición de ePrivé

Testigo del arte

Su casa está repleta de esculturas y obras de arte: Botero, Picasso, Moore, Borges, Bacon y Zapata, son algunos de ellos. En su amplia biblioteca, nos recibe amablemente con profiteroles y agua, bien dispuesta para comenzar la entrevista. Mientras tanto, Sonia Chacón y una enfermera personal,  garantizan que todo esté en perfecto orden.

- Muchos cambios en estos años. ¿En qué casos estas permutaciones afectan la producción artística nacional?

- La respuesta es muy simple. El pintor se debe a su tierra, al lugar en el que está pintando en ese momento, en donde está actuando; y por supuesto que las veleidades de lo que sucede en el país los incluye, como seres humanos, pero no los disminuye como creadores de su obra.

- ¿Qué se gana y qué se pierde desde la perspectiva de la gestión del patrimonio cultural? Pienso, por ejemplo, en el caso de la proliferación de galerías en nuestra ciudad capital.

- Eso ocurre porque están supliendo la labor de los museos que, por razones diversas, no pueden actuar como quisieran, por las circunstancias y el momento tan difícil que estamos atravesando en Venezuela.

- Cuando fue destituida como directora del MACSI, en el 2001, afirmó que detrás quedaba gente capacitada. Catorce años después, ¿puede afirmar lo mismo?

- Me haces una pregunta que me voy a permitir no contestar. Hice lo posible para que siguiera de la misma manera como lo dejé. No voy a dar mayores declaraciones al respecto porque hay que cuidar al personal que se quedó allí y que mantuvo una mística de trabajo.

- ¿Qué opina sobre el cambio de nombre de la institución?

- Que se llame Museo de Arte Contemporáneo Sofía Ímber o que se llame MACC, no tiene importancia. Lo que sí la tiene, es el hecho de que haya sido una decisión política. No fue una decisión artística. No recibí una carta de despido. Lo supe porque el entonces presidente, Hugo Chávez, lo anunció por televisión.

- ¿Cómo debería funcionar la gestión de nuestro acervo artístico?

- Las instituciones han dado demostraciones de trabajar bien, de dar buenas exposiciones, buenos museos. (Los museos) son hechos para la gente y deben garantizar el intercambio entre éstos y la población. La gente debe intervenir, en cierta manera, yendo a los museos, y su misma presencia obliga al organismo a mostrar, cada vez, obras que le sean más gratas y le den más al visitante.

*

- ¿Eso ocurre aquí en Venezuela?

- Desgraciadamente no. Los museos están vacíos, aunque los que estén dirigiendo tengan la mejor buena fe.

- ¿Cuáles cree que serían los principales actores que deben ser parte de las estrategias de concientización sobre nuestro patrimonio? ¿Cuáles deberían ser sus intereses de cara al futuro?

- Son dos preguntas, y ninguna de las dos te las voy a contestar.

- Si abordamos, por ejemplo, el tema de las escuelas de arte. ¿Qué es lo que estamos formando? Y, ¿qué podemos esperar de las siguientes generaciones?

- Es una pregunta inteligente, pero yo no la puedo contestar. No por falta de ganas, sino porque no lo sé.

- ¿Estuvo Venezuela, en algún momento, en el epicentro cultural latinoamericano?

- Yo creo que sí. Tuvo momentos muy buenos. Tuvimos grandes pintores, grandes músicos. El teatro… No olvidemos el teatro. Que ha tratado de seguir y continúa vigente. Caracas se está movilizando hacia El Hatillo, hacia La Trinidad. La gente se niega a estar pasiva.

- ¿Es más difícil hoy en día que en los tiempos del MACSI?

- Creo que ha sido difícil siempre. Lo que pasa es que los gobiernos no tienen por qué encargarse del patrimonio cultural. El patrimonio no está obligado a nada. El gobierno debe respetar el patrimonio cultural. No poner trancas. No puede ser el papá. No podemos esperar que todo nos venga del cielo, o sea, del Estado.

- ¿Puede Venezuela, con los recursos actuales, constituirse en un centro vanguardista generador de importantes baluartes artísticos?

- No conozco los recursos actuales. Pero no son muchos, por lo que sé. No se trata solo de los recursos del Estado, se trata de que los venezolanos trabajen conjuntamente por un plan mayor.

- ¿Algún mensaje final que quiera dejarnos?

- La palabra mensaje me trae malos recuerdos, así que no te lo voy a dar…

Sofía junto a Consalvi y Zapata

El escándalo de la odalisca

¿Cómo? ¿Cuándo? ¿Dónde? Estos son los tres enigmas que envuelven el sonado caso del robo de la pieza de Henri Matisse, que data del año 1925, La odalisca de pantalón rojo. Pintura que pasó a formar parte de las joyas que exhibía el MACC y que adquiriera en 1981 la entonces directora de la institución, Sofía Ímber. La pieza, valorada en 3 millones de dólares, desapareció presuntamente entre los años 1996 – 1997, cuando hizo un viaje a España, para formar parte de una exposición organizada por La Caixa española y la exdirectora del museo. Allí, aparentemente, fue sustituida por una copia, la cual estuvo en exhibición en el MACC, como la pieza legítima, y en el marco original. Fue en el año 2002  cuando las autoridades descubrieron el reemplazo y, en 2014, gracias a la gestión del FBI, la obra retornó al suelo venezolano, tan misteriosamente como un día partió de él.