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Arte

Zaha Hadid siempre será una de nuestras arquitectas preferidas, de hecho le dedicamos la edición 62 de Revista exclusiva enfocada en arquitectura y diseño. Aunque ya no esté físicamente, las obras de esta iraquí reflejan su espíritu futurista, como el anillo que diseñó para Bulgari, inspirado en el Coliseo romano, y en el extraordinario Lusail Hotel en Catar, Doha. Recientemente, el rascacielos Wangjing Soho, un proyecto en colaboración entre Zaha Hadid y Soho China, recibió el Premio Zhan Tianyou, reservado para las estructuras más sobresalientes del país.

El Premio Zhan Tianyou es el máximo galardón en la ingeniería e innovación industrial y estructural de China | Fotografía: leultimedahenryzilio

Wangjing Soho posee 522 metros cuadrados de uso mixto, distribuidos en tres torres cónicas de 118m, 127m y 200m de altura. Está ubicado entre el centro de Pekín y el Aeropuerto Internacional. Hadid recreó en cada torre el movimiento de los abanicos chinos, pero para Pan Shiyi, presidente del consejo de administración de Soho China, el complejo es un culto al pez koi.

Dependiendo de la posición, el edificio parece cambiar de dirección | Fotografía: cloudinary

El diseño responde a la propia dinámica de la ciudad, además, gracias al uso de nuevas tecnologías eficientes con el medio ambiente, el edificio aprovecha generosamente la luz natural. El Premio Zhan Tianyou es en honor al “padre de los ferrocarriles de China”, un brillante ingeniero que construyó el primer ferrocarril en China (la ruta Beijing-Zhangjiakou) sin ayuda extranjera.

La construcción se terminó en 2014 y desde su inauguración ha recibido galardones como el Emporis Skyscraper (2014) y en 2016 el Premio a la Excelencia del Comité de Intercambio Internacional de China para edificios de gran altura (CITAB).

Fotografía principal: fansimg

Será un evento que no se podrán perder los amantes de la música | Fotografía: Cortesía

La Orquesta Sinfónica de Venezuela le rendirá un tributo al compositor alemán Ludwig Van Beethoven, el domingo 26 de marzo a las 11:00 a.m. en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.

El concierto tendrá por nombre “Todo Beethoven” y en él la OSV interpretará dos composiciones del músico alemán: la Sinfonía n° 6 en fa mayor, op. 68 “Pastoral” y la Sinfonía n° 8 en fa mayor op. 93. La primera fue titulada por Beethoven como “Recuerdos de una vida campestre”, fue terminada en 1808 y una de las pocas piezas del autor que incursionan en la música programática. El recital estará dirigido por el maestro Eduardo Chibás, quien ha trabajado con la Orquesta Sinfónica de Venezuela desde 1992.

Las entradas generales tienen un precio de 5 mil bolívares, mientras que los estudiantes y personas de tercera edad están a 3 mil bolívares. Se pueden adquirir a través de la página de www.solotickets.com y directamente en las taquillas de la Aula Magna. El evento cuenta con el apoyo de la Dirección de Cultura de la Universidad Central de Venezuela, así como del Centro Venezolana Americano (CVA).

Fotografía principal: Orquesta Sinfónica de Venezuela Wordpress

La cinta aún no tiene título, pero sí protagonista: Gustavo Dudamel, el director más joven en estar frente a la Orquesta Filarmónica de Viena y director artístico de la Filarmónica de Los Ángeles. Ted Braun es un guionista y director de cine estadounidense que ha logrado importantes reconocimientos por su documental Darfur Now (2007) que habla sobre la guerra en Sudán, y el controversial largometraje Betting on Zero (2016), que relata la investigación que sufrió Herbalife sobre sus esquemas financieros.

Braun mostrará los inicios de Dudamel en El Sistema y cómo, poco a poco, alcanzó el éxito que hoy ostenta. “Gustavo es el director de orquesta más talentoso de su generación y la figura más popular y brillante en la música clásica desde Leonard Bernstein”, explicó el cineasta para el portal Deadline.

El documental seguirá a Dudamel en Venezuela y sus tareas dentro de la Sinfónica Simón Bolívar al tiempo que están de gira por toda Europa y sus responsabilidades dentro de la temporada 2017/18 de LAPhil. La película contará con la producción de Steve Tisch (Forrest Gump), Dean Schramm (Darfur Now) y Howard Bragman (Lead and Copper).

Fotografía principal: elperiodico

La Real Academia Española define al arte como la “capacidad y habilidad para hacer algo”, y hoy celebramos los 96 años del nacimiento de Alejandro Otero, un venezolano que a través de sus obras reinventó el uso de los espacios, la luz y los colores, logrando así, posicionarse como uno de los artistas plásticos más importantes de Venezuela.

Otero vio la luz un día como hoy pero en 1921, en Manteco, estado Bolívar. En 1938 empezó a estudiar agricultura en la ciudad de Maracay pero un año después se muda a Caracas para estudiar en la Escuela de Artes Plásticas durante 1939 y 1945.

En 1952 participa en el proyecto integrador de las artes junto al arquitecto Carlos Raúl Villanueva de la Universidad Central de Venezuela (UCV). En la foto, el mural "Sin título" de Alejandro Otero en la fachada de la biblioteca de la facultad de Ingeniería de la UCV | Fotografía: pinterest.com

En 1945 se va a estudiar a París, gracias a una beca otorgada por el gobierno de Francia y el Ministerio de Educación de Venezuela, por su primera una exposición realizada en 1944 junto a César Enríquez, en el Ateneo de Valencia.

"La estructura, el espacio y el tiempo, todos derivan del color" - AO

A partir de allí Otero logra explotar su visión sobre el arte. Sus trabajos se caracterizaron por reinterpretar el color y las líneas. Luego, con el tiempo abandonó la bidimensionalidad y se adentró en la escultura.

En 2010, el fotógrafo venezolano Iván Dumont y el diseñador Hugo Espina, se inspiraron en la obra "Abra Solar" de Otero, para diseñar el traje típico que usó la Miss Venezuela, Marelisa Gibson, en el Miss Universo. El traje "Alma Solar" fue hecho de laminillas de plata y cristales de swarovski 

Otero se consagró como pintor y escultor con sus obras de Arte Cinético y Abstracto. Su talento lo llevó a alzarse con El Premio Nacional de Pintura en 1958; el Premio Nacional de Artes Aplicadas en 1964; Primer premio del II Salón Interamericano de Pintura, en Barranquilla, Colombia; y también la mención honorífica de la V Bienal de Sâo Paulo, Brasil, en 1959. Estos son solamente algunos de los galardones que homenajearon el talento de Otero, un artista que esbozó en sus trabajos un estilo irreverente y crítico.

El artista tuvo como fuente inspiración a Pablo Picasso y Piet Mondrian. Esta es una fotografía de su colección "Coloritmos", serie donde el color es el protagonista | Fotografía: benshimolarte.com

Alejandro Otero falleció el 13 de agosto de 1990 en la ciudad de Caracas. Y, como homenaje póstumo, el entonces presidente Carlos Ándres Pérez decretó cambiarle el nombre al Museo de Arte La Rinconada a Museo de Artes Visuales Alejandro Otero, mejor conocido como el MAO.

Fotografía principal outsideflickr.com

Fotografía principal inside: acn.com.ve

Este viernes 17 de marzo estará totalmente dedicado al arte, con la sexta edición del Seminario Fundación Cisneros, en los espacios del Centro Cultural Chacao. Una actividad que, como expresaron sus organizadores en breve rueda de prensa, ha logrado una excelente aceptación y en esta oportunidad incluirá una amplia gama de formatos de presentaciones, conferencias, un taller, mesas redondas y una muestra hipnótica, entre otras actividades.

La revisión de importantes comunidades artísticas, exposiciones e instituciones culturales de América Latina de las décadas de los sesenta y los noventa, y la visualización de posibles proyectos culturales a realizarse en Venezuela en 2020, son el eje central del seminario “Muestra, Cuenta”, que tendrá lugar de 8 a.m. a 6 p.m. en el Centro Cultural Chacao, con la participación de ponentes nacionales e internacionales.

Conceptualizado por Sofía Hernández Chong Cuy, curadora de arte contemporáneo en la Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), “Muestra, Cuenta” proporcionará a los participantes una mayor comprensión del arte, la curaduría y la gestión cultural en retrospectiva, a partir de una variedad de casos de estudio presentados a través de una serie de ponencias y presentaciones en formato Pecha Kucha, en tres sesiones: Sistemas en los sesenta, Exhibiciones de los noventa y Proyectos para el 2020.

Como parte del VI #SeminarioFC, Muestra, Cuenta, Marcos Lutyens y Raimundas Malašauskas (Bruselas) han elaborado la versión venezolana de la Muestra Hipnótica. Por medio de una sesión de hipnosis, se podrán experimentar las exposiciones históricas Imagen de Caracas (1968) y Desde el cuerpo: alegorías de lo femenino (1998), así como un proyecto futuro, a partir de guiones originales desarrollados por Martha Durán, Augusto Gerardi y Jacqueline Goldberg. La Muestra Hipnótica tendrá lugar durante el almuerzo el día del seminario, el 17 de marzo, y requiere registrarse a la llegada al Centro Cultural Chacao. El cupo es limitado y habrá un costo de recuperación de 3,000 bolívares para el almuerzo. (Vista de instalación de “Imagen de Caracas", 1968)

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Lupe Álvarez (Ecuador), José Luis Blondet (Estados Unidos), Tomás Toledo (Brasil), Tamara Díaz Bringas (Brasil) e Inés Katzenstein (Argentina), así como los venezolanos Patricia Velasco, Grisel Arveláez, María Bilbao y Diana Rangel, Ignacio Cardona, Lourdes Peñaranda, Norberto José Olivar y Érika Ordosgoitti, son los ponentes que intervendrán en este seminario dirigido fundamentalmente a estudiantes y docentes en el campo del arte, arquitectura y literatura, así como a profesionales de arte, gestores culturales, escritores, artistas y curadores emergentes. Asimismo, la investigadora Carmen Hernández y Sofía Hernández Chong Cuy realizarán un conversatorio con el público asistente al final de las ponencias.

Además de las sesiones de ponencias, el seminario incluye dos actividades optativas a ser realizadas durante el intermedio, a la hora de almuerzo: Mesas Redondas y una sesión de Muestra Hipnótica, desarrollada por Raimundas Malašauskas, en colaboración con Marcos Lutyens, con guiones de Martha Durán, Augusto Gerardi y Jacqueline Goldberg. Estas actividades tienen un costo de recuperación para el almuerzo de Bs. 3 mil y quienes deseen participar deben inscribirse al momento de registrarse en el seminario ese mismo día por la mañana. El cupo es muy limitado.

#SeminarioFC "Lina Bo Bardi en MASP Brasil" por Tomás Toledo | En esta ponencia, Tomás Toledo aborda el nuevo programa del Museo de Arte de São Paulo, que integra exposiciones, colecciones, muestras y programas educativos tales como cursos, seminarios, conferencias y talleres. El programa busca crear un museo múltiple, diverso y plural teniendo en cuenta la historia de la institución. Un ejemplo de esto son los caballetes de vidrio para exhibición, que recuperan la propuesta radical de Lina Bo Bardi y proponen la descolonización de la colección del museo, mostrando el arte europeo –la colección por la que el MASP es reconocido primordialmente– junto con el brasileño, latinoamericano, africano y precolombino de América, así como el llamado arte popular. #LinaBoBardi

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De igual manera, al inicio de la jornada se proyectarán una serie de video clips de entrevistas con artistas sobre exposiciones históricas que han impactado su producción artística, entre los cuales figuran Tania Bruguera desde La Habana; Eduardo Costa y Marta Minujín desde Buenos Aires; Natalya Critchley desde una residencia en Michigan; Minerva Cuevas desde su taller en la Ciudad de México, Regina José Galindo de Guatemala; Alfredo Jaar y Javier Tellez desde sus estudios en Nueva York; Ana María Millán desde Berlín; Jorge Pineda de Santo Domingo y Raúl Quintanilla de Managua.

El Seminario Fundación Cisneros es organizado por la Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), y fue creado para alentar el estudio multidisciplinario de la cultura y del arte moderno y contemporáneo, con énfasis en el arte latinoamericano. Desde su inicio en 2011, se lleva a cabo anualmente en Caracas y, desde su segunda edición, ha sido diseñado y coordinado por Sofía Hernández Chong Cuy, curadora de arte contemporáneo en la CPPC.

Las personas interesadas en asistir a este evento pueden inscribirse sin costo de admisión, a través de la página web www.coleccioncisneros.org o del link https://www.eventbrite.es/e/entradas-vi-seminario-fundacion-cisnerosmuestra-cuenta-24566241289

Cabe destacar que al igual que en las ediciones anteriores, el Seminario Fundación Cisneros será transmitido en vivo a través de la página de la CPPC, de donde se podrá acceder libremente al evento como tal y a la documentación del seminario.

La cita es para el viernes 17 de marzo de 8 a.m. a 6 p.m. en el Centro Cultural Chacao, ubicado en la avenida Tamanaco de El Rosal. Para mayor información seguir las cuentas de Twitter @CPPCisneros   Facebook @cisneroscollection e Instagram  @cppcisneros.

Fotografía principal: gastv.mx

Galería fotográfica: cortesía

+Fotos | Top 5: mujeres de pincel

Algunas fueron verdaderas chicas posando frente al artista, y otras fueron recreadas por la inestimable imaginación. La relación mujer-arte es una de las simbiosis más universales del espectro pictórico. La Gioconda, Hilas y las ninfas, Godiva, El nacimiento de Venus, Garland y Madame Monet y su hijo, son piezas que han recorrido el mundo entre embeleso y misterio.

En el mes de la mujer le rendimos culto a las directoras cinematográficas más influyentes, pero también recordamos las obras más detallistas y valoradas protagonizadas por damas al fresco, al temple o al óleo.

El beso – Gustav Klimt

La obra está expuesta en la Österreichische Galerie Belvedere de Viena | Fotografía: adrianbrijbassi

Seguramente la obra más popular del pintor austríaco. El cuadro nació en un lienzo de 180 x 180 cm, entre 1907 y 1908. A pesar de que el artista fue señalado por su conflictivo estilo erótico, este cuadro fue acogido con mucha aceptación. Sus líneas constructivas (influenciadas por el Art Nouveau y el Arts and Crafts) y los mosaicos, se unen en un eterno abrazo decorado con láminas de oro. Dánae y Retrato de Adele Bloch-Bauer I, son otras de las piezas famosas del autor.

La joven de la perla – Johannes Vermeer

Se encuentra en el Museo Mauritshuis de La Haya | Fotografía: tumblr

Una de las más recodadas creaciones del estilo barroco. El punto central, obviamente, es la perla –para algunos es un pendiente de metal– que cuelga en la oreja de la enigmática muchacha del turbante. Fue creada entre 1665 y 1667. Se piensa que la imagen es una tronie, una especie de efigie holandés del siglo XVII. La pieza ha despertado el interés de expertos que se esmeran en descubrir la misteriosa tranquilidad que proyecta el cuadro. ¿Quién no se siente atraído por su mirada?

Las cuatro estaciones – Alfons Mucha

Mucha sirvió de inspiración para el reconocido joyero Georges Fouquet | Fotografía: laestirgaburlona

Primavera, verano, otoño e invierno, hechas mujeres. Está enmarcada en óleo sobre una extensa lámina. La sensualidad y la libertad se difunden entre los característicos paisajes, tonalidades y texturas de cada temporada del año. Los detalles bizantinos realzan la ensoñación zodiacal de la obra que, en principio, fue diseñada por el pintor checo para Champenois. De hecho, hay diversas versiones que rondan los años 1897 y 1900. La estética de este arte sigue vigente para muchísimos ilustradores modernos.

Sol ardiente de junio – Frederic Leighton

Leighton murió 10 meses después de culminar el cuadro | Fotografía: wikimedia

Extravagante, maravillosa, cálida, clásica y sentimental, son algunos de los calificativos que ha recibido este cuadro victoriano que ha pasado de mano en mano desde que fue creado en 1895. La asemejan mucho con la apariencia sosegada de Venus. La pieza actualmente descansa en el Museo de Arte de Ponce, en Puerto Rico. Seamos honestos, ese naranja vivo solo reside en la fresca bata traslucida de la modelo. ¿Cuáles serán los sueños con los que jugaba la joven?

La dama del armiño – Leonardo da Vinci

Una de las cuatro obras femeninas del pintor italiano | Fotografía: panamarte

La aristocracia en su mejor perfil. La modelo es Cecilia Gallerani (amante de Ludovico Sforza, duque de Milán durante 1490). La chica era poeta y se le daba bien tocar varios instrumentos musicales y Leonardo, de cierta manera, plasmó esta sensibilidad. Los armiños eran animales asociados a la elite. El rostro de Gallerani es muy realista, por cierto, la mano tiene detalles impresionantes: arrugas, imperfecciones de las uñas y hasta la inflexión de uno de sus dedos. Desde el siglo XVII la pintura le pertenecía al príncipe Adam Jerzy Czartoryski, pero en 2016 el Gobierno polaco compró toda la colección por 100 millones de euros, una cifra ínfima ante el valor real de la pieza que, según expertos, supera los 350 millones de euros.

Cuéntanos, ¿qué obras te gustaría incluir en este listado?

Fotografía principal: La Scapigliata de Leonardo da Vinci | overstockart

Los récords y galardones no parecen ser lo importante para Malala Yousafzai, quien a sus 19 años de edad podría ufanarse de tener su propio Premio Nobel de la Paz en un estante de su biblioteca. Para ella lo fundamental son los resultados. Mientras que para muchas de sus contemporáneas del mundo el mayor afán es tener más seguidores en las redes sociales, comprarse el último teléfono inteligente o bajarse la canción más reciente de su artista favorito, para Yousafzai las prioridades son otras.

Los orígenes

Fotografía: pinterest.com

El mundo escuchó por primera vez el nombre de Malala Yousafzai en 2009, cuando apareció en el documental Pérdida de clases, la muerte de la educación de la mujer —dirigido por Adam B. Ellick e Irfan Ashraf, del New York Times—, en el cual se aborda la prohibición talibán a la formación de las mujeres en el valle del río Swat, en Pakistán, entre los años 2003 y 2009.

Luego, ya con 13 años, Yousafzai reapareció en la palestra gracias al blog que escribía para la BBC bajo el seudónimo Gul Makai. Allí explicaba cómo era la vida bajo el régimen del Tehrik e Taliban Pakistan o TTP (en español, Movimiento Talibán de Pakistán) y hablaba de los intentos de la gente por tratar de recuperar el control de la zona luego de que la ocupación militar forzara a los habitantes a desplazarse hacia las zonas rurales, se cerraran las escuelas privadas y se prohibiera la educación de las niñas.

Desde entonces la valiente joven se convirtió en adalid de la causa por los derechos femeninos en su país, con todo lo bueno y lo malo que eso conlleva.

El lado oscuro

Fotografía: socialworkhelper.com

El rápido crecimiento de la fama de Yousafzai y su firme posicionamiento como joven líder la puso en la mira de quienes tan duramente criticaba. El 9 de octubre de 2012, en su natal Mingora, fue atacada por un militante del TTP.

El hombre abordó el autobús en el que la adolescente y sus compañeros viajaban y disparó contra ellos un arma de fuego en repetidas ocasiones. A Yousafzai la alcanzaron las balas en el cráneo y en el cuello, mientras que otras dos jóvenes también resultaron heridas.

La activista fue trasladada en helicóptero a un hospital militar en Pakistán, pero a los pocos días fue remitida al hospital Reina Isabel de Birmingham, en el Reino Unido, para seguir con su recuperación. La temeraria joven fue sometida a una cirugía reconstructiva en la que le implantaron una placa de titanio en el cráneo y un dispositivo auditivo. El episodio solo acrecentó la atención mundial que desde antes se concentraba en la luchadora adolescente.

Cuando Yousafzai fue atacada recibió apoyo de relevantes figuras de todos los ámbitos, entre ellas Desmond Tutu, Ban Ki-moon, Barack Obama, Hillary Rodham Clinton, Laura Welch Bush, Madonna y Selena Gómez.

El presente

Fotografía: malala.org

Luego del atentado que casi le cuesta la vida, un portavoz del grupo terrorista que la atacó afirmó que volverían a tratar de matarla. Por ello, una vez que se recuperó, la joven ingresó en una escuela secundaria de Inglaterra para continuar sus estudios. La decisión fue muy criticada por algunos sectores que señalaban que Yousafzai se había vendido a las comodidades de Occidente y había olvidado sus raíces.

La activista ahora está radicada en la ciudad inglesa de Birmingham. Desde allí aboga por el acceso universal a la educación a través de una fundación que lleva su nombre y que apuesta por programas de gestión comunitaria y apoya a los defensores de la educación en todo el mundo. Como ella misma expresó: “Volver al colegio me hace muy feliz. Mi sueño es que todos los niños en el mundo puedan ir a la escuela porque es su derecho básico”.

El reconocimiento

Fotografía: enca.com

La labor de Yousafzai no ha pasado desapercibida. Todo lo contrario. En sus pocos años ha recibido premios que incluyen el Nacional por la Paz de Pakistán, el Simone de Beauvoir por la Libertad de las Mujeres, el Unicef de España, el de la Paz Internacional Tipperary, el Embajador de Conciencia de Amnistía Internacional, el Internacional Infantil de la Paz y el Clinton Ciudadano Global de la Fundación Clinton, entre otros.

El 10 de diciembre de 2014  recibió el Premio Nobel de la Paz “por su lucha contra la supresión de los niños y jóvenes y por el derecho de todos los niños a la educación”, como expresó la organización. Compartió el galardón con el activista indio por los derechos de los niños Kailash Satyarthi.

Malala Yousafzai se convirtió entonces en la persona más joven que ha ganado un Nobel en la historia del galardón. Apenas tenía 17 años de edad, así que ahora es que tiene fuerzas, ideales y valores para ofrecerle al mundo.

Fotografía principal: newyorker.com

El próximo 9 de marzo, en el Sanat Hall de Estambul, el director de orquesta venezolano, Dietrich Paredes, dirigirá a la Orquesta de la Ópera de Estambul, y contará con el talento del reconocido violinista alemán, David Garrett, conocido como el “rockstar del violín”.

El repertorio estará dedicado a Tchaikovsky, sin embargo, quizá Paredes y Garrett sorprendan al público con alguna interpretación del género rock. Garrett, quien tiene un Record Guinness como el violinista más rápido por su interpretación de El vuelo del moscardón, se especializa en música clásica, pero su proyección internacional llegó cuando hizo un crossover de diferentes bandas de rock como Nirvana, Led Zeppelin o Guns n' Roses.

Garrett estudió en la prestigiosa Juilliard School en Nueva York | Fotografía: consultaeventos

A principio de 2017, Paredes viajó a Australia para dirigir cuatro conciertos con la AYO (Australian Youth Orchestra) y sus planes siguen en aumento. “Ahora estoy en Italia para una serie de conciertos con diferentes orquestas donde hice un concierto el pasado 19 de febrero con la Orquesta del Teatro Olímpico de Vicenza. Ahora preparo los tres maravillosos conciertos que haremos en Poggibonsi, Florencia y Parma con la Orquesta della Toscana y el extraordinario pianista Saleem Ashkar, después viajo a Turquía para el concierto con David Garrett y luego a Milán, allí trabajaré con la Orquesta di Pomeriggi con dos conciertos el 16 y 18 de marzo”, explicó a través de una nota de prensa.

Paredes fue parte de nuestra edición aniversario de Revista exclusiva 63 | Fotografía: Marcos Borrelli

Saleem Ashkar es un extraordinario pianista israelí-palestino conocido por sus conciertos sinfónicos y su presencia en salas como el Mozarteum de Salzburgo y el Musikverein de Viena. Este artista visitó Venezuela y fue dirigido por Diego Matheuz con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar. Además, es embajador en Music Fund, una institución que respalda a músicos y escuelas músicas en zonas de conflicto.

En el 2000, Ashkar fue condecorado como talento joven del año durante el Festival Internacional de Piano del Ruhr en Alemania | Fotografía: simmenauer

Durante la gira por Italia y Turquía, Paredes incluirá selecciones de autores como Mendelssohn, Beethoven, Widmann y Ravel. “Siempre es un reto asumir diferentes repertorios, diferentes compositores y estilos; en estos conciertos casi todas las obras las estoy haciendo de memoria, sin embargo hay una que otra que haré con partitura como lo es el caso de la extraordinaria obra que se llama Con Brío escrita por un compositor alemán llamado Jörg Widmann, que es nueva para mí y por lo tanto la haré con partitura, sin embargo no descarto la posibilidad de repetirla y hacerla de memoria, es una obra que está inspirada en la séptima y octava Sinfonía de Beethoven”, afirmó.

Fotografía principal: Marcos Borrelli