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Arte

José Ignacio Cabrujas fue un idealista, un visionario. Su palabra no tiene precinto de seguridad, es concreta y su registro no se extingue. Han pasado 41 años desde que escribió Acto cultural, una obra que refleja las carencias, las esperanzas, la crudeza, el pecado, la luz y la oscuridad de Venezuela. Curiosamente, el poder de esta pieza es tan mayúscula que no importa el año en que fue concebida, su vigencia –y dureza sigue intacta.

El Taller Experimental de Teatro, TET, fundada en 1972 en Caracas en el marco cultural de la Universidad Central de Venezuela (UCV), celebra 45 años el próximo 11 de diciembre y en pro de su conmemoración han decidido montar Acto cultural dirigido por Guillermo Díaz Yuma, y honrar la memoria del dramaturgo caraqueño.

“Este festejo no solo es un asunto protocolar, es una ocasión sentida. El TET se ha dedicado a la creación de obras de teatro, la pedagogía teatral y la animación sociocultural. Esos son los tres pilares del grupo. Todo este esfuerzo de gerencia y gestión cultural es el resultado de un ejercicio muy intenso de prácticas sociales en la comunidad de San Pedro y otros sectores”, explica Carlos Sánchez Torrealba, Licenciado de la Escuela de Artes de la UCV, con más de 46 años sobre las tablas y gerente del TET.

Como no podía ser de otra manera, asegura Torrealba, esta versión de Acto cultural conserva la integridad de la pieza original. “Desde la 'a' hasta la 'z', todo está dicho con pertinencia para la Venezuela de 1976 y para la Venezuela actual. Somos fieles a la palabra de Cabrujas. Sus observaciones y parlamentos fueron tratados con total lealtad”.

En Acto cultural se desnuda la historia de la Sociedad Luis Pasteur de San Rafael de Ejido, que festeja 50 años con la obra Colón Cristóbal, el genovés alucinado. Allí, en un escenario austero, se derraman las inclemencias de la sociedad pero, eso sí, acompañadas con humor y llanto.

¿Qué reclamaba Cabrujas con una pieza tan atronadora? El silencio, recalca Torrealba. “En el 76 las estridencias abundaban, ahora son mayores y provienen de los mismos lugares y de otros nuevos. En el fondo José Ignacio Cabrujas exigía silencio, no para ser cómplices, ni para dejar pasar en consecuencia. Es un silencio para vernos a nosotros mismos”.

¿Por qué Cabrujas mantiene un legado tan tangible? “Él nos conquistó por sus dones con la palabra asertiva, poética y justa. Es dueño de la palaba bien puesta entre la razón y la emoción para estimular al espectador con los diálogos de los personajes y sus propias observaciones como dramaturgo.”

Son siete actores en escena: Lyla Bonilla Jiménez interpreta a Herminia Briceño, Jariana Armas personifica a Antonieta Parissí, Larisa González hace lo propio con Purificación Chocano, mientras que Héctor Castro y Joe Justiniano entran en la piel de Francisco Xavier de Dios, y Dixon Dacosta interpreta a Cosme Paraima. “Esta versión de Acto cultural tiene la sal y el aliño de cada una de las personas que estamos comprometidas con la pieza. Es oportuna y reveladora de las nuevas reveladoras para el país”, culmina Torrealba quien, por cierto, da vida a Amadeo Mier.

Acto cultural es sobre la Venezuela de hoy. De sus dolencias, pero con la certidumbre de encontrar los remedios para esos achaques. Del maestro Cabrujas para sus hijos artistas.

COORDENADAS

La pieza estrena hoy (8 de diciembre) a las 6:00 p.m. en el Teatro Luis Peraza. Sábados y domingos a partir de las 4:00 p.m.

Las entradas se pueden adquirir en las taquillas del teatro o reservar a través del correo Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

centrotet.com.ve

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Los Cantos de trabajo del Llano colombo-venezolano fueron inscritos ayer miércoles en la lista del Patrimonio Cultural Inmaterial que requiere medidas urgentes de salvaguardia, anunció la Unesco en su cuenta de Twitter. 

La decisión se tomó durante una reunión del Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio de la Unesco en la isla surcoreana de Jeju. 

Estos cantos suelen escucharse al amanecer en Los Llanos de Venezuela y Colombia, cantados a capela por hombres a caballo que arrean ganado, aunque también se asocian con el ordeño. Su origen se remonta al siglo XVI en la zona llanera colombo-venezolana, de unos 500.000 kilómetros cuadrados. 

El trabajador se acompaña a sí mismo mientras realiza sus tareas, explicó a la AFP Bettsimar Díaz, hija del icónico músico del folclore venezolano Simón Díaz (1928-2014), autor de la canción Caballo viejo.

Los cantos "tienen notas largas y versos espaciados" tanto en el arreo como en el ordeño, explicó Díaz, que destacó, no obstante, las diferencia. 

"En el arreo, en cambio, el canto se llena de llamadas de atención a los animales para que no se pierdan y puedan seguir en grupo", indicó Díaz. 

Por tratarse de una tradición que se transmite de generación en generación, los cantos van cambiando en función de la zona geográfica, el clima, los animales o la época vivida. Además, al hacerse a cielo abierto, está impregnado de imágenes del paisaje y sus misterios. 

"Los cantos constituyen testimonio del devenir histórico de las comunidades y territorios en los que se inserta, resistiendo la pérdida de conocimientos y memorias colectivas" que implicarían el desarrollismo o la mecanización, señaló por su parte María Ismenia Toledo, antropóloga experta en patrimonio cultural inmaterial. 

Tanto la experta como los folcloristas advirtieron de la amenaza que corren los cantos por culpa de la industrialización de la ganadería, que implica el transporte de los animales en camiones y la mecanización del ordeño. 

"Con la inclusión de los cantos en la lista de patrimonio que requiere una salvaguardia urgente, se posibilita la inserción en los nuevos tiempos de las comunidades que pueblan esta vasta área geográfica, sin desmerecer su profundo conocimiento del medio natural y el respeto de su entorno y de sus equilibrios", destacó Toledo. 

 

El Celarg recibe el Infierno de Dante

Han pasado más de 700 años desde que Dante Alighieri implantara en el mundo el escenario del infierno. Colmado de demonios, traidores, avaros, pecadores y seres incomprendidos, La divina comedia ha viajado de la literatura por todas las corrientes del entretenimiento humano. Ahora, por una noche, el primero de sus cánticos despliega su mística turbada y sombría en la sala 1 de la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (Celarg) de Caracas.

Infierno forma parte de la propuesta creativa del XII Festival CreaJoven 2017 que se expone en el Celarg, donde la pieza ganadora obtendrá una temporada en escena. La obra está dirigida por Pedro Arias y protagonizada por Gabriel Blanco quien interpreta a Dante y Carlos Dugarte quien da vida a Virgilio, el alma de un poeta que guía al protagonista en la travesía.

“No es sencillo montar esta historia, la primera obra escrita en italiano. Pero lo interesante de Arias es que recreó el infierno de una manera ingeniosa y ecléctica, acercándolo al público joven. Se utiliza el texto clásico con ciertas adaptaciones, pero con una puesta en escena multidisciplinaria”, explica Gabriel Blanco.

El conjunto escénico involucra un completo juego lumínico, volteretas, danzas aéreas y música clásica fusionada con el estilo electrónico. El grupo In-consciente firma las coreografías, mientras que Alberto García orquesta las acrobacias. “Es muy impactante, con mucha fuerza. De hecho, algunas de las figuras dantescas se conforman a partir de ocho personas juntas. La estructura está armada con andamios movibles, ofreciendo una visión prominente”, continua el actor.

Con más de 20 años sobre las tablas y con un repertorio que sobrepasa las 100 obras, Blanco invirtió un mes y dos semanas para prepararse para su papel. “Yo no hago piruetas, pero me toca hacerlas. Y las disfruto un montón. Nos sometimos a entrenamientos acrobáticos ajustados a nuestras medidas para exponer un acto diferente. La divina comedia es un objeto de estudio para cualquier actor, y tener la oportunidad de interpretar a Dante es sensacional y muy importante para mi carrera. Representa una rigurosidad mayor a la que estoy acostumbrado”.

A diferencia de la obra original, la pieza no será narrada en cánticos. “El dialogo es muy orgánico y cercano, sin dejar de lado la esencia del manuscrito. De esta manera la audiencia se conecta más rápido con el mensaje”.

Infierno dura una hora y media, y asegura una experiencia inmersiva donde aparecen más de 15 actores en escena. “Este viaje por la imaginación de Dante es muy interesante y sorpresivo. Al final los espectadores sacarán sus propias conclusiones de todas las circunstancias que se viven en el submundo de este gran poeta italiano”.

Coordenadas

6 de diciembre / 7:00 p. m. en la sala 1 del Celarg.

Av. Luis Roche con 3ra transversal de Altamira, Casa Rómulo Gallegos.

No solo a Hollywood o al mundo de la moda. Las acusaciones por abuso sexual han llegado al mundo de la musica clásica, donde el primer señalado es director musical emérito James Levine, quien fuera suspendido ayer del Metropolitan Opera de Nueva York.

El Met Opera dijo que Levine ya no dirigirá en la actual temporada y que contrató a un ex fiscal estadounidense para que investigue las acusaciones.

"En base a nuevos informes el Met decidió actuar ahora mientras esperamos los resultados de la investigación", dijo en una declaración Peter Gelb, director general del Met.

"Esto es una tragedia para cualquiera cuya vida haya sido afectada", afirmó. 

El diario The New York Times informó el pasado sábado que un informe policial de 2016 en Illinois dio cuenta de que Levine abusó de un muchacho a partir de 1985 cuando la supuesta víctima tenía 15 años. El hombre, que tiene hoy 48 años y cuyo nombre no fue revelado, dijo que los abusos continuaron durante años y lo pusieron al borde del suicidio.

El Met dijo más temprano que el director negó las acusaciones cuando se le preguntó sobre ellas el año pasado. 

Sin embargo y sin dar más detalles, el Met dijo estar al tanto de múltiples denuncias contra Levine. 

Icono de la  música clásica Levine, de 74 años, debutó en el Met en 1971 y dirigió más de 2.500 presentaciones de 85 óperas. Trabajó con grandes estrellas como Luciano Pavarotti y Placido Domingo. 

Nominado para 37 premios Grammy y ganador de 10, Levine también dirigió a la Orquesta Sinfónica de Chicago para la película Fantasía 2000 de Disney. Actualmente era director musical emérito del Met.

Art Basel: vitrina del arte hecha espectáculo

Las cifras hablan por sí solas: 268 galerías procedentes de 32 países. Y en ellas, más de 4.000 artistas modernos que intentan capturar la mirada de miles y miles de personas que son convocadas por Art Basel Miami Beach (ABMB), que el jueves 7 de diciembre abrió sus puertas al público convertida en un insólito fenómeno de masas.

Y todo ello parece tener una explicación plausible: la Feria de Arte, que llega a su sexta edición, no solo ha logrado acaparar la atención gracias a su catálogo artístico, expuesto en un área de más de 1.000 kilómetros cuadrados, sino también por causa de su impacto de las redes sociales, donde las estrellas del cine y la televisión se dejan fotografiar sin pudor. 

Arte y espectáculo se han hermanado entonces sin prurito en la llamada"ciudad del sol" y los organizadores esperan que 77.000 visitantes recorran durante cinco días el laberinto de pasillos y secciones que integran la exposición, o asistan a los numerosos actos paralelos que tienen lugar durante esta cita, filial de la feria principal en Basilea (Suiza).

ABMB "ha cambiado mucho en los últimos diez años, es hoy un ecosistema cultural cuyo fin y corazón es atraer a la gente al arte, una parte esencial de cualquier sociedad", declaró Mark Spiegler, director global de la feria, en la presentación este miércoles a los medios e invitados VIP.

Galerías procedentes de Norteamérica, Latinoamérica, Europa, Asia, África y Oriente Medio hacen de ABMB una cita clave para conocer las tendencias contemporáneas, sin que falten obras de los grandes maestros como Diego Rivera, Leonora Carrington, Wifredo Lam, Picasso, Joan Miró o Giorgio de Chirico.

No conviene perderse el desembarco de obras y artistas de Latinoamérica en tres de las secciones más importantes, Survey, Nova y Kabinet.

En Survey, que propone obras de artistas anteriores al año 2000, hay presencia de pesos pesados: los chilenos Roberto Matta (1911-2002) y Carlos Leppe (1952-2015) en las galerías Robilant Voena y Espaivisor, respectivamente.

El precio de los cuadros de Matta oscila entre los 200.000 y los 2 millones de dólares que alcanza el óleo sobre lienzo de gran formato (2 metros de alto por 3 de ancho) que domina una de las paredes de la galería, The Unthinkable (1957).

La conciencia social y política recorren también el arte conceptual del argentino Edgardo Antonio Vigo (1928-1997) en Richard Saltoun Gallery, con piezas como Argentina, 74 o artefactos próximos al "ready-made", y el surrealismo como los Poemas visuales (in) comestibles en caramelos y Poemas matemáticos (in) comestibles.

A unos metros de distancia se puede encontrar destellos del mejor modernismo brasileño a cargo de otro peso pesado del arte, Cicero Dias (1907-2003), y nombres tan descollantes como los de Sérvulo Esmeraldo (1929-2017).

El acento "outsider" en la feria lo pone la obra del autodidacta estadounidense Bill Traylor (1854-1949), hijo de esclavos negros, agudo observador de la naturaleza humana.

Hay destellos que no conviene perderse en la feria: los de la greco-egipcia Farida El Gazzar, en Kalfayan, quien refleja en su pintura, influenciada por Edward Hopper, aspectos cotidianos de la vida en Egipto.

A unos metros de distancia se encuentra la obra de un artista emergente como el chino Xu Qu y su serie de vasijas de cerámica e impresiones tipográficas, en la galería Antenna Space. 

Después de haber proyectado Bárbara (2017) en las salas de cine del país el pasado mes de noviembre, John Petrizzelli vuelve a ser noticia en el ámbito cultural venezolano con la presentación de Historias para las posibilidades del músculo, su nuevo libro.

 

 

 

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La presentación al público y a la prensa de este nuevo producto editorial de Petrizzelli se efectuó el pasado jueves 30 de noviembre, al final de la tarde, en los espacios de la librería El Buscón, ubicada en el Centro Comercial Paseo Las Mercedes, en Caracas.

Dos libros en uno

Petrizzelli visualiza Historias para las posibilidades del músculo como un recorrido por las memorias alusivas a los itinerarios que realizó por diferentes geografías del mundo en el pasado. “Es un libro de relatos cortos en los que se mezclan extractos de diarios de viajes de una manera muy particular, porque estos escritos no reflejan con claridad los lugares en donde se escribieron o a los que hacen referencia, sino que están presentados en una forma más poética. También tiene unos textos narrativos más formales”, explica el autor, quien afirma que Editorial Dahbar, el sello creado por el experimentado periodista y escritor Sergio Dahbar, se encargó de la edición, diseño e impresión de la nueva publicación.

Historias para las posibilidades del músculo, incluido dentro de una colección de ficción de la mencionada editorial venezolana, también integra en su contenido otro libro titulado Necro Lógico, que ya Petrizzelli había publicado en 1978. “Sergio Dahbar, como editor, pensó en resucitar ese otro escrito, porque consideró que estaba perdido en una serie antigua de un pequeño tiraje, así que acepté y lo incluimos. Ahora es parte de las páginas de esta nueva publicación, que para su primer tiraje cuenta con mil ejemplares”.

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Opinión de un conocedor

Como Editor, Dahbar resume su visión sobre Historias para las posibilidades del músculo en la tapa diseñada para la publicación. “Este libro reúne dos: ambos difíciles de clasificar; ambos capaces de inducir a quien los lee a meditar sobre otros lugares, otras vidas, otros destinos, como solo la literatura verdadera puede -debe- hacerlo con nosotros”, describe el periodista ganador del premio Hogueras de Periodismo por Sangre, Dioses, Mudanzas, en 1989.

“Con esta edición, John Petrizzelli revela de nuevo que no solo es un cineasta sensible, con mucho que decir: su obra fuera de la cámara ante el papel lo muestra como una voz rara y de gran valor en la literatura venezolana”, apunta Dahbar.

Espaldarazo de valor

Este nuevo libro de Petrizzelli no sólo cuenta con el soplo de Sergio Dahbar. También tiene el impulso del reconocido poeta, ensayista y tallerista literario venezolano, Armando Rojas Guardia, quien leyó sus páginas antes de su edición a fin de ofrecerle su opinión a su autor. Además, posteriormente, Rojas Guardia también redactó su prólogo.

Justamente, desde su óptica, Rojas Guardia explica de qué se trata Historias para las posibilidades del músculo. “Es un poemario interesante que combina la inmensa capacidad analógica, metafórica con la densidad de la propuesta estética”, asegura el experimentado escritor venezolano. “Me parece que este libro es algo significativo dentro de la producción lírica nacional de los últimos tiempos”.

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“John Petrizzelli exhibe una escritura de alta capacidad evocativa para producir páginas líricas oníricas o narrativas. Son muchas las épocas, las emociones y los destinos que un extenso viaje ha producido en la redacción de estos textos exquisitos”, apunta Rojas Guardia en el prefacio de Historias para las posibilidades del músculo, como para que no quepa duda sobre su más que aprobación por este escrito.

En este proyecto editorial, la opinión de Rojas Guardia fue trascendental para Petrizzelli, quien desde un principio consideró al reconocido escritor venezolano como el padrino de esta creación literaria, aún mucho antes de su bautizo formal del pasado 30 de noviembre. “Si Rojas Guardia me hubiese dicho que no le parecían estos escritos que hice, me habría sentido muy mal y no habría pensado ni por un momento en darlos a conocer. Por eso, es un placer para mí recibir sus comentarios positivos sobre Historias para las posibilidades del músculo y estoy muy contento de que haya escrito su prólogo”, comenta el creador de las películas Er relajo der Loro (2012) y Ti@s (2015).

Foto 1: @karenwarphoto
Foto 2, 3 y 4: Editorial Dahbar

+Información:
Instagram: @johnpetrizzelli

 

El museo del libro más antiguo del mundo

“Estados Unidos está en peligro por su ignorancia de lo que Dios ha enseñado”, afirma Steve Green, presidente del imperio multimillonario de muebles y artículos del hogar Hobby Lobby, y fundador del recién inaugurado Museo de la Biblia, en Washington, justo al frente del Capitolio.

La inversión fue 500 millones de dólares y fueron tres años de construcción. La entrada es gratis, y las colas en la entrada son interminables. En su interior podemos encontrar más de un millar de objetos judeo-cristianos: desde versos bíblicos músicales, la primera Biblia traducida al inglés en 1526 hasta una Biblia alimentada por energía solar.

El edificio tiene ocho pisos

Cada rincón del museo tiene una enseñanza. Los ascensores, por ejemplo, revelan los campos de Israel que se mencionan en el libro sagrado. Las puertas principales responden a dos réplicas de la biblia de Gutenberg. Todo tiene un propósito, todo tiene un sentido. “Hay lecciones del pasado de las que podemos aprender. Debemos conocer este libro. Si no lo hacemos, nuestro futuro será muy peligroso”, expresó Green.

El mundo post-neo-pop de Alejandro Plaza

Especialista en ilustración y catedrático del Instituto de Diseño de Caracas. Si el tiempo pudiera regresarse, hubiera dado mucho por trabajar con Salvador Dalí y Jesús Soto, pero sus bombillos se encienden cuando piensa en colaborar con Takashi Murakami y Carlos Cruz-Diez. Vivió en Dinamarca y absorbió las propuestas artísticas de Francia e Italia. Ahora aterriza en Caracas para exponer su muestra individual Reflective Surfaces en Domus Studio donde desarrolla el espíritu lúdico del Pop Art.

Ni Picasso, ni Warhol. Fue Disney quien implantó el arte en Alejandro Plaza o, por lo menos, generó sus primeras curiosidades por el dibujo. “Nunca planifiqué ser artista. De niño me obsesioné con las películas de Disney, y un día vi un programa sobre cómo las animaban. Me atrapó mucho ver cómo, cuadro a cuadro, las imágenes cobraban vida. Desde ese momento latían mis ansias artísticas”.

Después de viajar por Europa y conocer varios movimientos artísticos, fue una vitrina la que detonó su primer ejercicio. “Un día pasé por una tienda, vi varios acrílicos y compré un lienzo pequeño. Todo fluyó improvisadamente. Desde ese momento no he dejado de pintar”. Y, literalmente, es así. Plaza crea todos los días. Los trazos y las pinturas son sus necesidades, su estilo de vida. “Sería imposible estar dos meses sin pintar. Diariamente evoluciono. El arte es mi personalidad”, explica con la certeza de quien sabe que nació para imaginar sin márgenes, ni límites.

¿Cómo defines tu estilo? “Según los curadores es post-neo-pop, un término para quienes tienen una alta influencia en el Pop Art contemporáneo. Pero desde mi punto de vista, mi estilo lo conforman tres corrientes: el Pop Art, el cinetismo y el surrealismo. Los junto y ese es mi resultado”.

Para Alejandro la inspiración le saluda desde muchas partes. A veces la espera, y otros días se presenta sin previo anuncio. En sus inicios usaba el óleo y la anilina como herramientas, pero ahora se entusiasma con las pinturas acrílicas sobre lienzos. “También realizó pequeñas piezas en MDF, y las esculturas las trabajo con arcilla, las moldeo y las vacío en resina. Incluso, en ocasiones, sello las obras con transparente automotriz; todo depende de lo que busque: color plano o gradientes de color”.

¿Cuál es el mayor aprendizaje que te ha dado tu profesión? “La constancia. Es difícil vivir del arte y dar a conocer tu trabajo. Pero para triunfar hay que tener ganas de aprender; esto me ha permitido tener mi propio estudio y crecer en mi país y en el extranjero”.

Y su perseverancia se ha cristalizado en exhibiciones colectivas en el Canale Díaz Art Center de Estados Unidos, el Art Center Wynwood de Miami, el Verde Gymnasium de Varde en Dinamarca, en el Art Shopping Fair del Carrousel du Louvre en París, y en la feria Art Basel en Suiza como invitado de Arte Globale de Londres.

Superficies reflectivas

Con su regreso a Caracas, y tras ocho meses de trabajo, Plaza inaugura los espacios de Domus Studio en Los Palos Grandes con su muestra individual Reflective Surfaces para explorar estéticamente su atracción por las superficies. “La exposición nace de mi necesidad de tocar relieves para estudiar sus texturas. En la muestra presento una pared de concreto con puntos negros que juegan con planos de colores en el fondo manejados por movimientos y diversos planos. Aquí expongo superficies brillosas, cromadas, con efecto espejo”.

Son más de 20 piezas influenciadas por caricaturas, grandes tipografías, escenarios, carteles publicitarios y efectos cinéticos. Además, en esta colección se cuela una figura favorita del artista y sello de su trabajo: la boca, símbolo de feminidad y comunicación. “Quiero transmitir el estudio de los planos, la luz y las sombras. Pero el tema central es la felicidad. Me gusta jugar con las percepciones, y quiero que las personas sientan alegría cuando vean mis obras”. La exposición estará hasta el sábado 9 de diciembre.

Alejandro vive con el arte, pero también se arroba con la música, dos disciplinas inseparables. No en vano, hace dos años, intervino un piano. “Siempre he estado contagiado por la música. De niño estudié en un conservatorio. Cuando estuve en Miami se me ocurrió intervenir piezas lujosas, y le presenté una propuesta a la casa Steinway & Sons quienes me permitieron un piano que pinté con latas de spray acrílicas. Y lo mismo hice con un auto Porsche, pero lo transformé con vinil autoadhesivo”. Durante esta exposición, el piano reproducía una melodía compuesta por Alejandro. Todo el trabajo fue documentado en un corto titulado Plaza que, para sorpresa del protagonista, logró estar nominado en los Emmys 2016. “Ese cortometraje mostraba el punto de vista de mi técnica artística. Fue nominado en dos categorías: fotografía y otra que no recuerdo. No ganó, pero la felicidad fue increíble”.

A sus 28 años, Alejandro no aguarda por la suerte. La clave, explica, radica en la aptitud. “Hay que levantarse todos los días con ánimo y con ganas de comerse el mundo”.

¿Un consejo para quienes quieren incurrir en el arte? “Empieza con lo que tienes, inicia como puedas. Esperar es una pérdida de tiempo. Mientras más temprano comiences, más rápido evolucionarás”.